The Art Deco er en kunstnerisk bevegelse født i 1910 , hovedsakelig etter første verdenskrig (1918), som tok sitt høydepunkt i 1920 før det avtar sakte fra 1930-tallet til slutt med andre verdenskrig (1939). Det er den første satsen for arkitektur-dekorasjon av verdensnatur.
Art Deco-stilen har fått navnet sitt fra den internasjonale utstillingen av moderne dekorativ og industriell kunst som ble avholdt i Paris i 1925.
"Art Deco" er en forkortelse av "Dekorativ kunst", og gjelder arkitektur , nærmere bestemt interiørarkitektur med veggtepper, glassmalerier, malerier og dekorative skulpturer, skapskap, bruk av keramikk, gullsmedarbeid. Den utforming som begynner på store serier av hjem og kontorutstyr kan være assosiert med det, samt klær mote og typografi av skilt og reklame vises og tegn.
Art deco-stilen tok fart før første verdenskrig mot voluter og organiske former av jugendstil . Den består av en tilbakevending til klassisk strenghet: symmetri, klassiske ordrer (ofte veldig stiliserte), kledd stein (uten noen pittoresk effekt). Innredningen, generelt fortsatt veldig til stede, har ikke lenger friheten på 1900-tallet ; det er strengt overvåket av skaperne, og designet er inspirert av kubistisk geometriisering .
Orden, farge og geometri: essensen av art deco-vokabularet er lagt ned. Ordforråd som tar forskjellige former i henhold til regionene, i henhold til arkitektene og deres klienter, dets stilistiske enhet skyldes bruken av geometri (geometrization) hvis formål i det vesentlige er dekorative - og ikke strukturelle - i motsetning til bevegelsen til den internasjonale avantgarde. , også kjent som modernisme eller internasjonal stil , som etablerer arkitektoniske prinsipper for volum av vinduer og harmonisk sirkulasjon. Disse to arkitekturer av "rik" dekorasjon og på den annen side av "renhet" gitt av enkelhet vil faktisk omfatte broer mellom dem i henhold til streng anvendelse av prinsipper i bruk blant arkitekter i applikasjonslandet og med variasjoner av individuelle produksjonsstil av en pragmatisk orden.
Art Deco-stilen er den første som har blitt distribuert over hele verden, opprettet i Belgia og deretter berører Frankrike , Portugal , Spania , Nord-Afrika og alle de angelsaksiske landene ( Storbritannia , stater -Unis og dets aktive "Art Deco" ”foreninger, Canada , Australia , New Zealand , India , Filippinene , etc. ), samt de viktigste byene i Vietnam for første bevegelsen, flere kinesiske byer som Shanghai og Hong Kong eller Japan, for eksempel for Prince Asaka oss palass i Tokyo.
Kildene til Art Deco må søkes fra årene 1900-1910.
En reaksjon mot jugendstil vises på slutten av XIX - tallet i Belgia , begynnelsen av XX - tallet Frankrike, Tyskland , Nederland , etc. : noen kvalifiserer allerede jugendformer som "myk" eller til og med "nudelstil". De er derfor orientert mot enkle linjer, klassiske komposisjoner og en parsimonious bruk av dekor. Dette ønsket om å komme tilbake til orden, symmetri og nøkternhet får forskjellige uttrykk avhengig av land.
I Østerrike ble for eksempel den bølgende linjen fra de tidlige dagene av jugendstil raskt erstattet av et nettverk av ortogonale linjer og enkle volumer, under innflytelse av den skotske arkitekten og designeren, Charles Rennie Mackintosh . De symbolske kunstnerne i denne trenden er Josef Hoffmann , Koloman Moser , Otto Wagner og Wiener Werkstätte .
Sjansen for en ordre plassert hos Josef Hoffmann introduserte denne utviklingen til Brussel , en stor by i jugendstil, fra 1905-1911: Stoclet-palasset . Interiøret, kjent gjennom fotografier, mobiliserer alle Wiener Werkstätte og maleren Gustav Klimt .
I Frankrike var de første tegnene på dette ønsket om endring merkbare fra 1900-tallet. Analysering av arbeidet til Henri Bellery-Desfontaines gjør at vi kan måle passasjen, fra 1902-1904, mellom jugendstil og art deco: denne sjenerøse kunstneren han var ikke den eneste på den tiden som drev et knutepunkt mellom stiler, for å redusere grensene mellom "dekorativt", håndverksmessig og kunstnerisk: Jean-Frédéric Wielhorski fortsetter på samme måte da han tegnet Duthoo-bygningen i Tours (1907-1910) .
I 1907 publiserte Eugène Grasset en metode for dekorativ komposisjon som ga stolthet til geometriske former og deres variasjoner. Denne visjonen står i kontrast til den bølgende friheten til Hector Guimards stil , som var så populær i Paris noen år tidligere. Året etter designet Paul Iribe et motealbum for Paul Poiret , hvis estetikk slo det parisiske miljøet med sin nyhet.
Den tredje viktige begivenheten, Salon d'Automne i 1910, ble invitert av München-kunstnere som i flere år hadde vedtatt strenge og strippede former. Rundt 1910 utviklet de franske dekoratørene André Mare , Louis Süe og Paul Auscher også sin stil mot større strenghet og tilbakeholdenhet. I skulptur skaper François Pompon sin berømte bjørn.
Arkitektonisk, mellom 1910 og 1913, startet byggingen av Champs-Élysées-teatret , et annet tegn på den radikale estetiske forandringen som den parisiske miljøet opplevde. Først overlatt til Henry Van de Velde , returnerte design og konstruksjon raskt til Auguste Perret . Den strenge sammensetningen av fasaden og det målte stedet som ble overlatt til utsmykningen, rammet åndene under innvielsen i 1913. Til slutt fornyet Henri Sauvage siden begynnelsen av århundret de formelle arkitektoniske referansene og dets tekniske referanser av trinnvise bygninger.
Denne utviklingen er oppsummert i 1912 fra pennen til André Vera , en dekoratør. Artikkelen hans, "Le nouveau style", publisert i tidsskriftet L'Art Décoratif , uttrykker avvisningen av jugendstilformer som er asymmetriske, polykrome, pittoreske og som vekker følelser mer enn grunn. Han etterlyser en "frivillig enkelhet", et "unikt materiale" og en "manifest symmetri". Slutten av artikkelen formaner kunstnere til å la seg inspirere av klassisismen fra XVII - tallet, preget av "klarhet, orden og harmoni." Han ber om å ta opp tråden i historien om franske stiler fra Louis-Philippe-perioden , uten pastik. Veras siste ord beskriver to temaer som vil være allestedsnærværende i den fremtidige art deco-stilen, "kurven og kransen av blomster og frukt" .
Påvirkningen av maleriet fra 1910-tallet er laget, et øyeblikk av diffusjon og popularisering av Fauvisme , og enda mer av kubismen . Malerne av Golden Section stiller ut verk som ofte er mer tilgjengelige for publikum enn Picasso og Braque i den analytiske kubismens periode . Temaene (sport, arbeiderklasseverden osv. ) Og de skinnende fargene står i kontrast til den fragmenterte og avantgarde stilleben til bevegelsens pionerer. Det kubistiske vokabularet appellerer til designere av mote, møbler og interiør.
Til slutt oppdager Paris på 1910-tallet de russiske ballettene til Serge Diaghilev , blander dans, musikk og maleri, inspirert av tusen og en natt . De er en invitasjon til luksus og eksotisme; kostymene er skapt av Léon Bakst og mange andre. Derav mote for fans, fjær, vannstråler, lyse farger. Uvanlige farger vil herske i innredningen og møblene: vi vil se boudoirer med oransje vegger, salonger hengt i svart.
Det var egentlig i det følgende tiåret, det på 1920-tallet, at bevegelsen utfoldet seg. Mens Tyskland på 1920-tallet var gjenstand for en alvorlig økonomisk krise (som kunstnerne av den nye objektiviteten var vitne til ), så Frankrike økonomien ta seg opp igjen. Pengekrisene i 1924 og 1926-1927 vil ikke hindre en progresjon som vil kulminere i 1930. Verden i sin helhet, bortsett fra disse to antagonistiske polene, setter seg opp for fart og raske bevegelser.
Denne gjenopptakelsen av verdensfreden kan ikke få oss til å glemme de vanskelighetene som var igjen på bakken av krigen; ødelagte byer måtte gjenoppbygges. Reims og Saint-Quentin , for eksempel, har blitt jevnet til 80% og vil bli gjenoppbygd i stor grad i en nåværende arkitektonisk stil og dens rikdom utgjort av Art Deco ).
Omgivelsesmentaliteten utvikler seg med denne lange krigen som samler befolkninger fra alle verdenshjørner i frontlinjene. I etterkrigstiden endret det betydningen av innholdet på museer, som hadde blitt moderne etnografisk. Det endrer også måten det kunstneriske samfunnet ser på det som var begrenset til eksotisme, som det som tidligere ble produsert i den engelske arkitekturen i byen med hus og hager (verandaer, terrasser osv.). Modernismen gjelder faktisk byer knyttet til verden, for eksempel Bordeaux (og, motsatt, New York). Imidlertid genererer den monetære ustabiliteten i Europa en konstant økning i prisene til 1927 i Frankrike, og den franske lovgivningen om husleier forårsaker en alvorlig boligkrise for den populære og middelklassen.
Men begynnelsen av 1920-tallet så også manifestasjoner av tilstedeværelsen av den økonomiske formuen som forble intakt av de rikere klassene i Frankrike. I Paris, som i de store provinsbyene, observerte datidens kommentatorer byggingen av rike bygårder, villaer og herskapshus. Så mange produktive prosjekter for dekorering av kunstnere og Art Deco-arkitekter. Tendensen er å forenkle arbeidet for å få utførelseshastighet, en tendens som strukturerer all arkitekturen med moderne prinsipper, til det punktet å bruke konstruksjonskonstruksjoner i armert betong og metallprofiler. Modellen for bygningens økende høyde, et tegn på rikdom og modernitet, er hentet fra USA, som ser ut til å være det mest økonomisk blomstrende landet av tiden. Dette ønsket om høyde inngår i byplaner som ikke avviker fra reglene med mindre bygningens arkitektur rettferdiggjør det. Den tilstrekkelige årsaken er bidraget fra strukturell fremgang av lyet (bygging av integrerte garasjer for eksempel) eller estetisk (arvskarakter) i konstruksjonen.
Fordi 1920-tallet generelt sett også var utviklingsstedet på forskjellige felt:
På 1920- og 1930-tallet, før adventen av kommersiell luftfart med lang avstand, var den viktigste formen for interkontinental transport havfartøyet. Den harde konkurransen mellom selskaper som Cunard-White-stjernen (Storbritannia), HAPAG (Tyskland), Compagnie générale transatlantique eller Transat (Frankrike) og Compagnie Flote riunite Italiane (Italia), fungerer også som en prestisjetung kamp mellom nasjoner for å ta med deg stadig raskere, mer elegante og mer komfortable liners online. Fra 1920-tallet begynte verft å velge modernisme for innredning og dekor av skip. Mens de engelske skipene Queen Mary og Queen Elizabeth forblir gjennomsyret av en ganske klok klassisisme, i kontinuiteten til sine forgjengere Mauretania , Lusitania eller Titanic , tør Compagnie Générale Transatlantique (mer dagligdags "Transat") modernismen for linjefartøyet Île de France (1927) og spesielt Normandie i 1935, en veritabel katedral av Art Deco ved sjøen med dekoratører som Louis Süe og André Mare , Jean Dunand, Patout et Pacon, Raymond Subes , Jacques Carlu , Carlhian, etc. Tyskerne fulgte etter med Bremen og Europa hvis indre rom ble betrodd den store arkitekten Paul Troost . Italia skal ikke overgås med de to linjene Rex og Conte di Savoia , symbolske for Mussolini- tiden , hvis utsmykning kombinerer modernisme og nytolkning av den romerske antikken.
Luksus transatlantiske linjeskip er slike symboler på fremgang og overdådighet, på en drøm om et bedre liv, at landbaserte arkitekter utnytter denne prestisjen og designer bygninger inspirert av de vakreste transatlantiske skipene. Dette er tilfellet med Georges-Henri Pingusson , med Latitude 43-hotellet som dominerer Saint-Tropez , Normandie-hotellet i Puerto Rico (i) og mange andre bygninger fra 1930-tallet som tar opp de stilistiske egenskapene til skipet - Admiral of the Transat: avrundede volumer, trinnvise terrasser eller karnappvinduer med horisontale gardiner. Denne varianten av Art Deco blir ofte referert til som linestilen i Frankrike eller Streamline Moderne i USA.
I Frankrike ble suksessen til Art Deco, på sitt høydepunkt i årene 1920-1930, slått ned av andre verdenskrig . I påvente av museenes interesse (og mange samlere, hvorav noen er kjent andre steder, som Alain Delon , Yves Saint-Laurent eller Claude Berri , for å begrense seg til franskmennene), startet parisiske gallerister eller antikvitetshandlere gjenoppdagelsen i årene 1960-1970 (eksempler på berørte artister: Pierre Legrain , Eileen Gray , Jean Dunand , etc.), ved opprinnelsen til markedseksplosjonen fra 1990-tallet. Blant de mest symbolske er Alain Blondel eller Robert og Cheska Vallois, men også Stéphane Deschamps , Yvette Baran og deretter datteren Anne-Sophie Duval, Bob Walker, Alain Lesieutre , Félix Marcilhac , François-Gérard Seligmann, Bernadette Fenwick, Michel Perinet osv. Hvis navn vises regelmessig i monografier relatert til Art Deco eller Art Nouveau, både akademisk og allmennheten , så vel som i aviser som rapporterer om store samlingauksjoner ( Figaro , Gazette Drouot , etc.). Det var salget i 1972 av Jacques Doucet- samlingen som re-populariserte Art Deco til allmennheten.
Ordet Art Deco ble født på 1960-tallet for å betegne stilen som seiret på den internasjonale utstillingen for moderne dekorativ og industriell kunst, som fant sted i Paris i 1925. Navnene "Applied Arts" eller "Style 1925" har det gått foran.
To forskjellige trender eksisterer sammen i dette settet med arkitektur, møbelproduksjon og interiørdesign:
I arkitektur reflekteres denne funksjonelle trenden i strukturell arkitektur, og gjelder hovedsakelig offentlige bygninger som sykehus, postkontorer, skoler, stadioner, flyterminaler og terminaler for passasjerhavner. Men den strukturelle arkitekturtilnærmingen vil også bli brukt for kollektive boliger (se for eksempel Le Corbusiers “boenheter” ).
Et av temaene i prangende arkitektur var å bruke formene på objekter som daglig brukes av bygningseieren for å bruke dem på bygningen. For eksempel vekker taket på Chrysler Building i USA støtfangere på merkets biler. Dette konseptet når sitt høydepunkt senere med California Crazy- stilen , hvor den store gjenstanden er et element i bygningen eller bygningen som helhet (bygninger i form av en pølse , et piano , en hund ...).
Denne formuleringen av Art Deco tillater også retur til før-moderne former og materialer (bruk av personalet på en bemerkelsesverdig sterk måte i visse prestasjoner). Fasadestatuer kommer fra den klassiske og eldgamle formuleringen av atlanterne , karyatider og maskaroner , en formulering med beskyttende religiøse symboler. En symbolsk omformulering blir brukt på denne statuen, en positiv markering. Der representerer statuen nøytrale figurer eller personlige representasjoner av oppdragsgivere som markerer deres betydning (som i antikken). Moderne materialer (plast for eksempel) brukes. De rensede formene på glassmalerier, deres til tider figurative motiver (til det punktet de representerer fabrikker), noen ganger abstrakte, er representative for den samtidens verden av industrialisering.
Uten en virkelig leder eller etablert teori ble Art Deco kritisert i den arkitektoniske kreative verdenen fra de første årene for sin overfladiske overflate. Denne arkitekturen ble spesielt brukt for alle bygninger som skulle forbedre sponsorens image, eller fremkalle fritidsaktiviteter: kommersiell arkitektur (butikk, hovedkontor osv.), Teatre og kinoer, men også innenlandsk arkitektur (innredningen fungerte som et tegn på sosialt skille under mottakelser, veldig fasjonabelt i alle berørte land). Denne stilen, som først og fremst påvirket de rikere klassene, var etterspurt i hele den sosiale kroppen og ble veldig populær. Når det gjelder yrke av arkitekten, formulerer denne perioden utviklingen av yrket arkitekt-kunstner i arkitekt-samler som kombinerer for et prosjekt av kunstnere og teknikker for håndverkere eller industrielle.
Den moderne kulturelle betydningen av Art Deco varierer fra land til land. Det er relativt svakt i Frankrike, opprinnelseslandet. Det er bare kontrapunktet til den nedstrippede modernistiske arkitekturen, som var veldig fasjonabel, alle sosiale klasser samlet, etter andre verdenskrig. Det er viktig i Belgia. Det var til stede i det koloniale Nord-Afrika og blandes med motstykket, den strenge arkitekturen til den moderne bevegelsen , for å utgjøre en arv som for tiden skal bevares etter avkolonisering. Og Art Deco-stilen var veldig viktig i Canadas og USAs historie (med skyskrapere som markerte sin rikdom), to land som integrerte arkitekturer fra andre land, hvis vestlige kultur ble raffinert i sammenligning. Det var her den dekorative kunsten ble opprettet og hvor den fortsetter.
Denne komponenten har all sin betydning i den "korte historien" til disse landene, noe som fører til deres kulturelle uavhengighet, der ødeleggelsen av lokal arv ikke skyldes kriger. Denne stilen er merket av rikdom for fremtiden jet set , i grunnloven etter andre verdenskrig, som erstatter klientellet av luksus liners som knyttet Europa til Amerika. Denne arkitekturen bæres av prangende og symbolske inngangspartier, vertikale sirkulasjoner i luksuriøs heis og like raffinert interiør på gulv, samt inskripsjoner og symbolske ytre statuefigurer. Mye av dette utstyret ble opprinnelig importert fra Europa under handling fra både europeiske og amerikanske arkitekter. I Sør-Amerika eksisterer denne stilen på samme måte av samme grunner.
Portefølje med kromståldeksel opprettet av Pierre Legrain rundt 1925.
Knust lergods for Manufrance i 1930 av Faïencerie Saint-Clément.
"Beau Brownie ", et kamera designet av Walter Dorwin Teague for Kodak i 1930.
Parker fyllepenn og fyllepenn , ca 1930.
Bruken av betongbelegg gir en jevnere og bar overflate enn murstein, som minner om de massive steinblokkene som ble brukt i disse tidligere sivilisasjonene.
Rammene er oftest i eik . De støpte eller finerte strukturene bruker mahogny , palisander , sedertre , amarant , sitron ... Kontraster av lyst tre (sitrontre) og mørkt tre (amarant), farger og materialer. Hvis det brukes polstring, males stiliserte veggdekorasjoner på veggene og på bakgrunnsbilder.
Volumene er parallellpipede, med skarpe vinkler eller avrundede eller med kappede sider. Sirkelen og åttekantet er også populære.
Art deco-skyskrapere er vanligvis laget av stablede segmenter med synkende dimensjoner hvis kryss er laget i rett vinkel. Generelt kommer denne geometrien fra de nye byplanleggingsplanene som er satt på plass. Gesimser og vinduslamper er dekket med høye geometriske relieffer.
Møblene ved opprinnelsen til Style 1925 er det siste vitnet om en lang fransk tradisjon. Setene er ofte inspirert av Directoire eller Restaurering. En bekymring for komfort er å bli lagt merke til i lenestolene, inspirert av klubben lenestol , med dype former. Treet er knapt synlig og ofte skjult av et lær- eller tekstilbelegg.
Det koselige hjørnet, en tidens skapelse, er helt raseri. Det er en hjørnesofa, innebygd i et treverk med forskjellige hyller.
Kommoder og støtteenheter har ofte buede, til og med svulmende fasader. Bordene er runde, ovale eller rektangulære med brutte vinkler. Sminkebordene og damebordene er spesielt raffinert.
Formene på møblene forblir klassiske, noen ganger med påminnelser om tidligere stiler: Louis XVI , Directory , Louis-Philippe og tradisjonelle afrikanske møbler. Men kubistisk kunst vil presse for en forenkling av former.
Møbler støttes ofte av sokler. Hvis linjen er raffinert, viser møblene en ryddig og ofte luksuriøs dekor. Lister er sjeldne. Solrepresentasjoner med stråler er tilbakevendende.
Skulpturen er veldig flat. Hun bruker et geometrisk, blomster- eller dyrerepertoar, veldig stilisert, geometrisk. Rosen er veldig til stede i bukett, kurv, krans. For behandling av overflater bruker vi forgylling, lakk eller marquetry : innlegg av garn, elfenbenplater (innflytelse fra svart kunst ), perlemor eller metall (sølv, kobber, messing, aluminium).
Vi fremhever fargen på visse tresorter, som lønn , farget i rødt, blått, grønt eller grått (smak for polykromi født av Ballets Russes ).
Figurene er stiliserte, motivene gjentas regelmessig. Stoffet metter ofte interiøret med rykkete og livlige rytmer som husker de fra datidens lette musikk. Alle de nevnte motivene og innflytelsene gjentas med en konstantitet som absolutt bidrar til enhetens stil, men som også ender med å gjøre interiøret kvelende.
Art Deco-møbler er arbeidet med å dekorere kunstnere beregnet på en rik klientell, tørst etter nyhet, men som fortsatt er relativt konform. Dette er møbler laget av skapmakere som søker luksus og perfeksjon. Møblene er derfor unike stykker. Art Deco-formelen karakteriserer en internasjonalt populær dekorativ stil. Opprinnelig tilhører Art Deco, den moderne eller internasjonale stilen, en verden av luksus og overdådighet, det er en sammenslåing mellom kunst og håndverk .
Louisiana State Capitol , Baton Rouge (1930-1932).
Palais de la Porte Dorée i Paris (1931).
Miami Beach Art Deco hoteller , på Ocean Drive.
Colony Hotel , South Beach , Miami Beach .
Marlin Hotel på Collins Avenue , Miami Beach .
GE Building (Rockefeller Center), New York (1933).
St. Wenceslaus kirke, Chicago .
Buffalo Town Hall Spire (1935).
Basrelief av Empire State Building i lobbyen.
Forsikring New India, Bombay (1936).
Roger Salengro Art Deco svømmebasseng , Bruay-la-Buissière (1936).
Bygning 18, rue de Vesle, Reims (1925).
Le Comptoir de l'Industrie, Reims (1930).
Majestic Hotel i Cannes .
Glassmaleri i Limoges-Bénédictins stasjon (1929).
Eden Cinema of Saint-Jean-d'Angély (Charente-Maritime, Frankrike), av André Guillon (1931).
Eldorado kino i Dijon ( Côte-d'Or , Frankrike, 1920).
Dekorativt element på Southgate undergrunnsstasjon i London.
Ventilasjonsskilt på Turnpike Lane undergrunnsstasjon i London.
Broadcasting House i London (1932), ved siden av All Souls Church .
Polens flagg, Paris, 1925.
The Carreras Cigarette Factory , London, 1928.
Compagnie Générale Transatlantique, Marseille 1928.
ARA-palasset , Praha, 1928.
Postkontoret i Saint-Aubin-distriktet i Toulouse .
Det tidligere hovedkvarteret til La Dépêche , fasaden på 42 bis, rue Alsace-Lorraine i Toulouse .
Det tidligere hovedkvarteret til La Dépêche , fasade kl 15, rivals i Toulouse .
Fasade på studie- og kulturarvbiblioteket i Toulouse , i 2014.
Det er mange andre eksempler på bygninger inspirert mer eller mindre av art deco-arkitektur i hele Frankrike; men de er mer spesielt til stede i sonene i nord og øst i Frankrike etter å ha blitt ødelagt under den første verdenskrig , " gjenoppbyggingen " appellerte i stor grad til den stilen som var på den tiden, noen ganger knyttet der. til elementer av regional arkitektur.
: dokument brukt som kilde til denne artikkelen.