Selvportrett

En selvportrett er en representasjon billed av en person alene, tegning , maleri , gravering , skulptur , og siden andre halvdel av XIX th  århundre, fotografering .

Selv om utøvelsen av visuell kunst har pågått siden de tidligste tider, er det i Europa at selvportrettet dukket opp som en kunstform og bare fra slutten av XIV -  tallet: først i henhold til metoden til komoen (innsetting av portrettet i komposisjoner av store formater) så på slutten av XV -  tallet, så denne gangen helt uavhengig.

Selvportrettet fremstår hovedsakelig på grunn av to faktorer. Den første, av teknisk art, er utviklingen av speiling , som gjør det mulig for et større antall individer å oppdage utseendet til ansiktene deres; det andre, av antropologisk karakter , handler om endring av sosial status for produsenten av bilder som fra en anonym håndverker og tjener fra kirken som han var, forvandler seg på bare noen få år til en kunstner som er hevdet av de mektige og som anser det til slutt som legitimt å representere seg selv som maleriets "emne".

Etter hvert som det vestlige samfunnet blir sekularisert og demokratisert - og følgelig følelsen av å være et individuelt individ blir utbredt - utvikler selvportrettet seg samtidig som det i hver tid presenterer seg i veldig forskjellige aspekter.

Vi kan derfor analysere det på to måter som både er forskjellige og utfyllende:
- på den ene siden en typologisk tilnærming , som gjelder måten "portretteringen" har til hensikt å utsette seg for andres blikk og måten " portrettmaleren »Tar det;
- derimot en kronologisk tilnærming , som denne gangen gjelder utviklingen av sjangeren fra dens fremvekst til i dag, dette i sammenheng med utviklingen av samfunnet selv.

I motsetning til alle andre kunstneriske sjangere har selvportrettet den særegenheten at personen som produserer verket (" produsenten "), personen det representerer ("emnet") og personen som initierer det. (" Sponsoren ") er det samme. Med ankomsten av sosiale nettverk og selfie i begynnelsen av XXI -  tallet, blir et fjerde "medlem" podet inn på denne treenighets "diffusor".

Mer enn noen annen sjanger informerer selvportrettet derfor betrakteren om hvordan det offentlige og private livet samhandler gjennom tidene, samtidig som det stiller spørsmålstegn ved deres status og kunstneriske praksis i seg selv. ... sammen. Det er derfor et verdifullt materiale ikke bare for kunsthistorikere, men også psykologer og sosiologer .

Fra opprinnelsen til utviklingen av en sjanger

De billedkunst har pågått siden de tidligste tider, men det er likevel bare fra slutten av XIV th  århundre at vi kan betegne selvportrett som en kunstform i seg selv.

To hovedårsaker forklarer den sene naturen til dette utbruddet:

Karakteristisk for vestlig kultur , utvider selvportrettet knapt portrettets - igjen som en sjanger - sistnevnte blir definert som representasjon av en karakter som virkelig eksisterte (en praksis som ble brukt i antikken). Men hadde vært forlatt i hele middelalderen  , derav begrepet "  Renaissance  ", knyttet til XV th  århundre).

Opprinnelse

I middelalderen , faktisk, det vestlige samfunn er fullstendig formet av kristendommen siden det ble statsreligion i slutten av romerske imperiet i IV th  århundre, under keiser Konstantin , etter at sistnevnte blir omdannet til det. Og i løpet av ti århundrer har bildene som illustrerer salberne, men spesielt - senere - glassmaleriene, mosaikkene, freskomaleriene og altertavlene som befolker kirker og katedraler som primær funksjon å fortelle historier  ; mer nøyaktig for å rapportere historiene som punkterer referanseboken par excellence: Bibelen . Og til tross for ulike særlig kritiske øyeblikk, særlig i løpet av perioden iconoclasm , den VIII th og IX th  århundrer, i henhold til bildene forblir uendret: budskapet i en stor bok å analfabeter. Alle disse bildene er derfor dokumenter , i første forstand av begrepet ( doceo på latin betyr å undervise ). Og håndverkerne som utfører dem har ingen annen bekymring enn å trofast gjenopprette ( fides betyr tro ) betydningen av de bibelske historiene, spørsmålet om likheten med hovedpersonene i Bibelen oppstår ikke siden de siden har dødd. Lang tid. Bildene generelt har derfor en minnesverdi  : alle refererer til en svunnen fortid, men som alle føler behov for å opprettholde nåtiden .

Imidlertid skjedde det forskjellige begivenheter på slutten av middelalderen som modifiserte forholdet til tiden grundig: forestillingen om nåværende tid oppnådd i mentaliteter: "kunst" ble "moderne", i den forstand det latinske ordet modernus oversetter til nylig eller gjeldende . Denne prosessen er kompleks og spres nettopp over tid. Imidlertid kan vi beholde to viktige hendelser, påfølgende og med sammenfallende effekter:

Selv om det tilsynelatende ikke er relatert, er disse to begivenhetene knyttet sammen fordi den nye måten å male på, introdusert av Giotto vil oppleve en dyp og varig suksess med borgerskapet: det illustrerer virkelig hans tankegang. For, for å kunne handle fritt, er det viktig å være åpen for verden , selv om det betyr å legge til side religiøse bekymringer. Så når du utfører de aller første landskapsmalerier i XIV th  tallet regjeringen i byen Siena , Ambrogio Lorenzetti bygger "på sivile verdier, sekulære (...) og ikke bare på religiøse verdier og kirkelig. Medaljongene nedenfor feirer ikke teologi, men de nye vitenskapene. Dermed er denne mannen ikke bare den første landskapsmaleren, men også grunnleggeren av sekularisme i maleriet .

.

Fremvekst

Disse forskjellige endringene finner sted innenfor rammen av en prosess som er kvalifisert som sekularisering  : referanser til transcendens (Gud, sjel, religion osv.) Tar gradvis baksetet til materielle hensyn .

Skjult frigjorde produsentene av bilder seg fra kirkelig autoritet, og startet i selve de religiøse rammene, da arkitektene til katedralen satte inn bysten, som Peter Parler , rundt 1380, i triforiet til Saint Cathedral. Guy i Praha. Dette er også tilfelle, rundt 1398-1399, av Siena frescoist Cola Petruccioli da, i basilikaen Saint Dominic i Perugia, representerer han seg i en quatrefoil , tilsynelatende holder i hånden en bøtte med maling og en pensel: en måte å tydelig identifisere seg selv som "maleren av steder" eller, ganske enkelt, "en maler stolt av sin aktivitet".

De tilegner seg en viss intellektuell og moralsk uavhengighet, hevder deres personligheter, deres " selv ", føler følelsen av det som skiller dem ut, skiller dem fra andre, gjør dem til enkeltpersoner ... fra enkle anonyme håndverkere i Kirkens tjeneste, de vil bli kunstnere i den fulle forstand av begrepet, signere verkene sine med navnene deres, og til slutt representere seg der.

En effekt kan da observeres, av estetisk art, men direkte knyttet til transformasjonen av samfunnet. Etter hvert som det fremvoksende borgerskapet tar en stadig større rolle i det (ved å berike seg fra handel og bank ) og etter hvert som det tar over fra kirken når det gjelder patronat ,  vedtar kunstnerne som inngår i tjenesten tidlig på XV - tallet, en realistisk estetikk, i direkte linje med den "fornuftige verden" og ikke med den for religiøse ideer. Et århundre tidligere hadde den italienske Giotto startet denne overgangen, men han opererte da empirisk; kunstnerne i den første Quattrocento utviklet på sin side nye teknikker i løpet av 1420-årene for å øke graden av realisme: systemet med lineært perspektiv i Toscana og oljemaleri i Flandern.

Imidlertid er selvrepresentasjon ikke gjort uten overgang: enten i Toscana som i Flandern, malere i første halvdel av XV th  århundre utvikler ikke umiddelbart selvportrett selv som sådan, det er altså utgjør emnet verket i seg selv, på en eksklusiv måte, etter modellen av byste-portrettet: når de kommer til å representere ansiktene sine, er det faktisk først i form av en detalj i store formatmalerier eller fresker og fortellende historier. Denne innsettingen har verdien av en signatur, akkurat som visse billedhuggere på slutten av forrige århundre satte inn bysten på et bestemt sted i katedralen. Denne tradisjonen vil fortsette gjennom resten av århundret (og vi finner den mye senere, i kinohistorien, gjennom komoen ).

Det hevdes ofte at Mannen i den røde tulpen av flamske Van Eyck , i 1436, var det første selvportrettet, men dette har ikke blitt demonstrert. Utseendet til det autonome portrettet som en sjanger , på dette tidspunktet, som det autonome selvportrettet, på 1480-tallet ( Filippino Lippi i Italia, Albrecht Dürer i Tyskland), utgjør imidlertid et av hovedtrekkene ved denne transformasjonen av samfunnet som når Vest-Europa og som senere vil bli referert til under begrepet "  humanisme  ".

Antropolog David Le Breton analyserer denne prosessen:

"Det er på 1500 -  tallet at enkeltportrettet blir en av de første inspirasjonskildene til maleriet, og som på få tiår slår den tidligere etablerte trenden om ikke å representere individet uten å bruke religiøs figurasjon. Kristendommens fremvekst tilsvarer menneskets selv. Portrettet blir ikke sett på som et tegn, et blikk; men som en realitet som gir tak i personen. I den tidlige middelalderen var det bare de høye dignitærene i Kirken eller Kongeriket som lot portretter av sine personer (...). (Fra nå av) tar det individuelle portrettet, løsrevet fra enhver religiøs referanse, fart i maleriet like godt i Firenze eller Venezia som i Flandern eller Tyskland. Portrettet blir et maleri alene, som støtter et minne, en personlig feiring uten annen begrunnelse. Bekymringen for portrettet, og derfor hovedsakelig for ansiktet, vil få stadig større betydning gjennom århundrene. "

Filosofen Bernard Legros analyserer denne prosessen med individualisering:

”Selvfølgelig skiller enkeltpersoner seg ut i ethvert menneskelig samfunn. Men innenfor samfunn som er basert på det hierarkiske prinsippet, kjent som aristokratisk , er singulariseringen av hvert individ generelt skjult: hver og en er pålagt å tilpasse seg det han er, er tilbøyelig til å oppføre seg i samsvar med tilknytninger som anses å være naturlige og essensielle. (…) Demokratisk singularisering er derimot ikke forbeholdt mennesker som skiller seg ut på en eksepsjonell måte for vondt eller godt. Det antyder en sammensmelting av det universelle og entall. Det moderne mennesket blir til når singularisering ser ut til å avsløre mennesket. "

Når kunstnere tilegner seg denne nye kunnskapen, kan personlighetene deres bare transformeres: fullt ut "  anerkjent  " sosialt, fordi de blir bedt om for sin tekniske evne til å representere verden og andre på en realistisk måte, føler de legitimiteten til å være. representere seg selv. Således ble født og generaliserte deretter utøvelsen av selvportrettet, dets originalitet ligger i det faktum at portrettmaleren og portrettene er en og samme person, og at selv om bildet kan få et realistisk utseende, gjør det ikke likevel utgjør for kunstneren en øvelse av konfrontasjon med sitt eget indre.

På grunn av økningen i deres sosiale status vil noen kunstnere snart opptre ikke bare i selskap med sine monarker, men foran dem, i forgrunnen. Dermed Vasari , på 1560-tallet, før Cosimo de Medici , og enda mer Velasquez , et århundre senere i Les Ménines , forvistet kongen og dronningen av Spania på baksiden av et rom, liten og svakt synlig i et lite speil.

Utvikling

Selvportrettets praksis utvikler seg betydelig etter hvert som samfunnet blir mer demokratisk og individets figur hevder seg.

Utviklingen av portrettet
På slutten av XV th  århundre, Albrecht Dürer gjør de første selvportretter datert og signert kjent vedta en ramme som vil bli en standard: bysten representasjon. Selvportrett med tistel , 1493, Louvre, Paris 
I det XVII -  tallet bruker en rekke malere sin tekniske ekspertise til å utvikle mer eller mindre uvanlige forestillinger. I 1646 arrangerte østerrikeren Johannes Gumpp seg sett bakfra og så på speilbildet i et speil mens han skildret seg på et lerret. 
Over tid blir kunstnere stadig mer kritiske til utøvelsen av selvportrett og multipliserer mise en abyme , mens Honore Daumier ler her i et litografi fra 1848, A French Painted By Him-even .
Paris, Frankrikes nasjonalbibliotek 
Oppfinnelsen av fotografering i XIX -  tallet og utviklingen av den digitale industrien fører til spørsmålet: "hvordan en selfie er et selvportrett? Selfie av en anonym person (nederst til høyre), tatt i 2016 i Brasil, i nærvær av John Kerry , utenriksminister i USA , foran en mengde. 

Typologisk tilnærming

De aller fleste selvportretter er laget på samme modell: innramming av bysten (ansikt, nakke og skuldre), som senere blir modellen for identitetsfotografering  ; løsrivelse av figuren på en nøytral bakgrunn (monokrom eller raffinert dekorasjon); posisjonering av kunstneren i tre fjerdedeler, oversettelse av "delingen" mellom speilet (blikket) og lerretet (kroppen), med andre ord mellom seg selv og "den andre".

Imidlertid vedtar et visst antall kunstnere ganske tidlige modaliteter, fra denne stereotypen, enten innenfor rammen av en introspektiv tilnærming (dette er spesielt tilfellet Rembrandt og van Gogh ), eller med sikte på å skjerpe de reflekterende egenskapene til tilskueren og innlede en slags dialog med ham (for eksempel med Giorgio de Chirico , Dick Ket eller Felix Nussbaum ); avgrensningslinjen mellom disse to typer stillinger er ofte vanskelig å etablere, et stort antall kunstnere som faktisk engasjerer seg samtidig på disse to måtene.

Når det gjelder portrettet, kan typografien til selvportrettet fastsettes på minst to typer polariteter:

Denne doble polariteten fungerer imidlertid på en mer kompleks måte enn i portrettet, i den grad portrettmaleren og portrettmaleren bare er én person. Dette er grunnen til at vi her vil ta i bruk typologien basert på den andre polariteten (portrett / portrett); det forstås at i praksis er parametere som lett kan skilles fra hverandre i teorien i konstant interaksjon og danner en helhet: levd opplevelse .

Portrettene

Når kunstneren er sin egen modell, tar han særlig hensyn til å iscenesette seg selv.

Holdning

Holdningen som kommer oftest opp i selvportrettet er den som ble initiert av van Eyck i 1434 med portrettet Mannen i den røde tulbanen (ofte også ansett som et selvportrett): byste representasjon (ansikt, nakke, skuldre), kroppen vist i tre fjerdedeler (fordi kunstneren vender seg mot arbeidet sitt) men blikket (og noen ganger hele ansiktet) vender mot (fordi maleren blir observert i et speil og følgelig gir inntrykk av at dens representasjon "ser" på seeren). Imidlertid vil selvportretten over tid vedta nye, mer unike holdninger for å uttrykke mer subtile aspekter av hans personlighet.

I løpet av første halvdel av XVII -  tallet, da temaet "kunstneren i hans studio" allerede er bevist, observerte i Nederland en tendens til avslapning: Judith Leyster viser for eksempel å snu seg rundt som om hun var avbryter arbeidet hennes for å snakke med betrakteren. Samtidig ser Artemisia Gentileschi, derimot, helt opptatt ut, vender seg bort fra betrakteren, kroppen hennes strakte seg helt ut mot et maleri hun er i ferd med å lage. I XVIII th  århundre, da teateret praksisen er utbredt, Joseph Ducreux forestiller gjentatte ganger gjort opp, kledd og viser forskjellige bevegelser og etterligner, som ville skuespiller.

På slutten av opplysningen dukker de første tegnene på romantikk opp og kunstnerens skikkelse som en mann helt absorbert av hans inspirasjon. Teatraliseringen når sitt høydepunkt: Engelskmannen Füssli stirrer fast på betrakteren mens han bemerker sin forskjell fra det faktum at han ligger på skrivebordet (tegning laget rundt 1777-1778; National Gallery, London). Louis Janmot vises på sin side stående, rett mot tilskueren og ser på ham slik en motstander ville gjort i en duell. Omvendt når  spredte naturalistiske malerier og kunstnere på slutten av XIX - tallet beskjeftiger seg med hverdagens tema, inntar noen igjen uformelle posisjoner for å etablere et visst klima-privatliv med betrakteren. Dette er spesielt tilfelle James Tissot .

På begynnelsen av XX th  århundre, da fremveksten av nasjonalisme kunn første verdenskrig og psykoanalytiker Sigmund Freud har til hensikt å analysere den mørke siden av personligheten hans landsmann Egon Schiele vedtar provoserende holdninger, noen ganger åpenlyst uanstendig.

Andre bemerkelsesverdige verk:

Ansiktsuttrykk

På slutten av XV th  århundre, Vinci begynner med sin serie av tegninger av Grotesque tidlig forskning i fysiognomi , som vil fortsette frem til tidspunktet for klassisisme, særlig med arbeidet til Charles Le Brun .

Fra begynnelsen av det påfølgende århundre spres ønsket om å oversette "sjelens lidenskaper" til maleri, særlig i Giorgione ( Dobbeltportrett , ca. 1502-1510, Roma) og Lotto ( Portrett av en ung mann med en lampe , ca. 1506 -08, Wien). Imidlertid var typiske selvportretter på den tiden fremdeles ganske sjeldne, slik som Giorgione som David , alt i spenning (ca. 1509-1510, Brunswick ) eller Vinci , som en gammel og klok patriark (1512, Torino) .

Det er faktisk på XVII -  tallet at kunstnere fremstår som uttrykk som er markert i deres selvportretter: hodetiltning, ansiktsuttrykk, blikkets intensitet ... noen i kjølvannet av Le Brun og akademiet, spiller på disse effektene uten andre formål enn å bevise en viss virtuositet. Men andre bruker det i perspektivet av en tydelig introspektiv tilnærming , den første av dem er Rembrandt , forfatter av nesten hundre malte, tegnede eller graverte selvportretter.

Vi finner "det psykologiske selvportrettet" i løpet av århundrene som følger, kunstnerne slipper en hel rekke følelser der, noen ganger autentiske (som Füssli Eller Friedrich ), til og med veldig intime (som med Egon Schiele ) noen ganger på tvert imot simulert. (som med Courbet , glad i teatralsk representasjon), til og med tvunget: latterbruddet som Richard Gerstl viser i selvportrettet fra 1908, vil ikke hindre kunstneren i å begå selvmord noen måneder senere.

Spørsmålet om uttrykksfulle ansikter lidenskapelig artister, blant annet den tysk-østerrikske billedhugger Franz Xaver Messerschmidt , ble berømt for sine seksti-ni "tegn hoder" laget på slutten av XVIII th  århundre (og da Lavater publiserte sine teser om fysiognomi) og noen ganger presentert som selvportretter. Men til tross for denne interessen i fysiognomi ikke svekker XIX th  -tallet (se de fem "portretter av gal" laget av Géricault rundt 1820), relativt få kunstnere eksperimenterer på seg selv, bortsett fra glimrer med Courbet , inkludert på slutten av århundret til tross for suksessen med skriftene til kriminologen Cesare Lombroso ) innen fysiognomi.

Merk imidlertid svært uttrykksfulle ansikter av Egon Schiele i begynnelsen av XX th  århundre og de av Felix Nussbaum , litt senere, og den ultimate selvportrett av Picasso , den Selvportrett ansikt død malt i 1972, mindre enn ett år før hans død: ansiktet opptar nesten hele formatet, øynene buler ut og den svake referansen til ytre utseende reduserer på ingen måte uttrykksstyrken, snarere tvert i mot.

Andre bemerkelsesverdige verk:

Objekter

Objektene som ofte settes inn av i selvportretter er pensler og paletter, i hendene på kunstnere. Men andre objekter dukker opp over tid, og deres tilstedeværelse er ikke rettferdiggjort på samme måte.

I XV th  århundre, de i utgangspunktet har en symbolverdi. Således refererer selvportrettet med tistel av Dürer i 1493 til Kristi tornekrone.

Fra det XVII -  tallet er gjenstandene mange og varierte. De har da flere mulige betydninger. De kan referere til en hobby for kunstneren (eksempler: Artemisia Gentileschi som representerer seg selv som spiller lut), men vitner også om viktigheten som ble gitt dem i sin tid, som er mer materialistisk. Dette tilsvarer øyeblikket når stilleben sprer seg som en sjanger . Og når forfengelighet dukker opp i Nederland, representerer flere malere, som David Bailly , seg selv midt i en hel mengde gjenstander med det skjulte målet å demonstrere deres virtuositet.

I XVIII th  århundre, tilstedeværelse av en byste av en kjendis gir noen artister en viss høytidelighet. Dermed representerer Joshua Reynolds , den første presidenten for Royal Academy , på Rembrandts måte og etter modellen av hans Aristoteles som vurderer bysten til Homer (1653), seg selv rundt 1780 i selskap med en byste av Michelangelo .

I XIX th  århundre, selskapet bryter med den ideelle aristokratiske og demokratiserer men det store flertallet av intellektuelle og kunstnere selv som initiativtakerne historie, er romantikk den beste illustrasjonen på at hevelse ego . Selv om scener i hverdagen er gjenstand for et stort antall verk, i løpet av andre halvdel av århundret, forble selvportretterne ganske fokusert på representasjonen av sine personer, utenom sett og tilbehør.

Ikke før den XX th  århundre at kunstnere er mer sannsynlig å være omgitt av hverdagslige gjenstander som om de var der ved en tilfeldighet, som deretter gir sine selvportretter et naturlig utseende og øyeblikkelig. Dermed når Zinaïda Serebriakova representerer seg selv og gjør håret i 1909, og hun viser alle toalettsaker i forgrunnen.

Noen ganger får imidlertid objekter en symbolsk eller metaforisk dimensjon igjen. Eksempler: Lovis Corinth dukker opp i selskap med et laboratorieskjelett mot et bakteppe av et bylandskap, for å uttrykke sine følelser om dødsstedet i "moderne" samfunn; Georg Scholz foran et bilforhandler , den gang motorvogner fortsatte å befolke urbane landskap eller til og med den italienske Tamara de Lempicka som paraderte bak rattet på Bugatti .

Andre bemerkelsesverdige verk:

Firmaet

Normen for selvportretter er at kunstneren representerer seg alene på maleriet sitt, men det hender ofte at han er i selskap. Vi observerer deretter flere tilfeller, den hyppigste er familierammen (ektefelle, barn eller til og med hele familien). Så kommer tilfellet med tilstedeværelsen av en venn eller en person som vanligvis tjener som modell for maleren ... Maleren kan også vises midt i en mer eller mindre tallrik gruppe.

Det er resten, og i Italia på 1500 -  tallet tok portrettet fart. (eksempler: Benozzo Gozzoli , som plasserer ansiktet i en gruppe ryttere på fresken The Adoration of the Magi , i 1459; Filippino Lippi , som skyver ansiktet helt til høyre for sin store fresco The Dispute with Simon The Magician i 1481 eller igjen, tjue år senere, Luca Signorelli , stående lengst til venstre og i forgrunnen av Antikristens utseende ). De skiller seg ut fra andre tegn ved at deres blikk er rettet mot betrakteren.

På samme tid, i Flandern, representerte Rogier van der Weyden, deretter Dirk Bouts , seg suksessivt i selskap med Jomfru Maria, sett på samme nivå i rollen som Saint Luke som tegnet portrettet, med ansiktene derimot rettet mot henne.

Andre bemerkelsesverdige verk:

  • Rogier van der Weyden , Saint Luke Painting the Virgin , ca 1435-1440, Boston, Museum of Fine Arts
  • Raphaël , Selvportrett med en venn , 1518-1520, Paris, Musée du Louvre
  • El Greco , The Holy Family with Saint Elizabeth , 1580-1585, Toledo, Santa Cruz Museum
  • Giovanni Battista Paggi, Selvportrett med en arkitektvenn , 1580-1590, Würzburg Museum
  • Jacob Jordaens , Selvportrett med familien , 1621-1622, Madrid, Prado Museum
  • Bartolomeo Passarotti , gruppe på seks menn, inkludert maleren , XVII -  tallet
  • Carl Larsson , The Artist with his Daughter , 1895, Göteborg, Göteborgs Konstmuseum
  • Anders Zorn , Selvportrett med sin modell , 1896
  • Suzanne Valadon , Familieportrett , 1912, Paris, MNAM
  • Laura Knight , Selvportrett med naken , 1913, London, National Portrait Gallery
  • Louise Catherine Breslau , The Artist and his Model , 1921, Genève, Museum of Art and History
  • Christian Schad , kunstneren og hans modell , 1927, privat samling
  • Grant Wood , Return from Bohemia, 1935, Davenport (Iowa, USA), Figge Art Museum
  • Paul Delvaux , Sleeping City , 1938, privat samling

Det hender også at kunstnere representerer seg selv "i selskap med seg selv", det vil si to eller flere ganger på det samme bildet.

Andre bemerkelsesverdige verk:

  • Tilskrevet Jacques-Eugène Feyen , Multiple self-portrait , circa 1906
  • Jean Cocteau , Quadruple selvportrett , 1915-1916, privat samling
  • Vincent Canadé, dobbelt selvportrett , 1927, New York, Moma
  • Jean Dubuffet , dobbelt selvportrett med hatt , 1936, Paris, Fondation Jean Dubuffet
  • Johannes Grützke, Three Surprised Men , 1973, Hannover (Tyskland), Galerie Brusberg
Kroppen

Å lage ditt eget portrett betyr å utsette kroppsbildet ditt for andres blikk. I de fleste tilfeller er klærne valgt nøytrale. Imidlertid er det to ekstreme tilfeller:
- en der kunstneren representerer seg naken eller veldig lett kledd for forskjellige formål, spesielt med sikte på å dele sin intimitet, selv om det betyr å avvike mot en viss ekshibisjonisme;
- den, tvert imot, der klærne har større betydning enn ansiktet, som om kunstneren ønsket å understreke sin sosiale status.
Disse to banene er ikke gjensidig utelukkende, og visse artister, som Lovis Corinth eller Avigdor Arikha , har begitt seg ut på begge.

Den nakne, avdukede kroppen

Kunstnerens motivasjoner for å vise seg naken er mangfoldige, og starter med Dürer , en pioner innen sjangeren. I løpet av 1500-tallet skildret han seg på midtbena, på en tegning som hadde blitt uferdig , kroppen var litt bøyd og blikket rettet mot betrakteren. Deretter understreker han effekten av lys på sin anatomi, "ofrer han etterligningen av virkeligheten til ønsket om å balansere volumene, for eksempel ved å heve høyre skulder, som er nærmest betrakteren, i hvitt. 'Han burde ha stupt i skyggene. ' . Rundt 1522, 50 år gammel, var det denne gangen med et ekspresjonistisk mål at han produserte sitt selvportrett som en sorgsmann , og identifiserte seg med Kristus som holdt instrumentene for torturen i hendene.

Mens temaet for naken er sterkt opplevd siden kunstens opprinnelse, blir hans praksis i selvportrettet fullstendig forlatt etter Dürer i det meste i fire århundrer, tidlig på XIX -  tallet, maleren nasaren Victor Emil Janssen han representerer en gang skjorteløs, kl. jobbe foran staffeli hans, i et intimt mål. Men tilbake i kraft i løpet av første halvdel av XX th  århundre. Først og fremst med tyskeren Paula Modersohn-Becker , under sitt siste opphold i Paris, da hun vitnet om gleden over å være gravid, i 1906 (hun døde dessverre året etter, tre uker etter fødselen).

Samtidig avslører også landsmannen Lovis Corinth seg skjorteløs. Hans interesse for kjøttet løper gjennom alt hans arbeid, og fem år tidligere, i hans selvportrett med et champagneglass med sin kone , avslørte han spesielt sin lettvint karakter. I Selvportrettet med glass understreker han den imponerende og strukturerte karakteren til sin vekst, og bysten opptar nesten halvparten av maleriets overflate.

På samme tid maler østerrikerne Richard Gerstl og Egon Schiele seg helt nakne, noen ganger i provoserende eller til og med uanstendige stillinger, for å uttrykke deres komplekse forhold til seksualitet og mer generelt til eksistens. De dør henholdsvis 25 og 28, Gerstl begår selvmord ved å henge foran et speil, noen få måneder etter hans nakne selvportrett .

Den tyske Anita Rée er også opprinnelsen til flere selvportretter. Av jødisk opprinnelse og med en skjøre følsomhet, støtter hun ikke fremveksten av nazismen i sitt land. I 1929 uttrykker nakenheten hans følelsen av skjørhet og hjelpeløshet, den ene armen beskjeder brystet mens den andre, som en krykke, støtter hodet, utseendet gjenspeiler hans forferdelse. Desperat vil kunstneren avslutte sine dager fire år senere, når nazistene kommer til makten.

Senere på århundret representerte to svært innflytelsesrike britiske malere, Stanley Spencer og Lucian Freud , seg selv nakne, og deretter brukte de en veldig tykk regning for bedre å indikere kroppens fysiske, kjødelige aspekt.

I begynnelsen av det følgende århundre fulgte landsmannen Jenny Saville i deres fotspor, spilte på uforhold og valgte veldig store formater for å uttrykke sin egen fedme på en helt antatt måte og vitner dermed om et kritisk blikk på de estetiske kanonene . Med et lignende mål innkaller den israelske feministen Ora Ruven kunsthistorien for å vise en sammenligning mellom morfologien hennes og Botticellis Venus .

Andre bemerkelsesverdige verk:

Klær, kamuflert kropp
Noen kunstnere tar spesielt vare på i sine selvportretter med kjolen til det punktet at betrakteren kan vurdere at de gir dem mer betydning enn ansiktene sine.

Siden faktisk, over tid, øker kunstnerens status når det gjelder respektabilitet ( Michelangelo , første president for Florence Drawing Academy , i 1566; Charles Le Brun , første direktør for ' Royal Academy of Painting and Sculpture i 1648; Joshua Reynolds , første president for Royal Academy of Arts i 1768…), bruker et stort antall kunstnere selvportrettet for å styrke sin egen sosiale status . For å gjøre dette bruker de forskjellige iscenesettingsenheter (stillinger, sett osv.), Klær er en av dem.

Under væpnede konflikter vitner bruk av uniformen om kunstnerens engasjement, og det er da innredningen, kroppsholdningen, håndverket (realistisk eller ekspresjonistisk) ... som indikerer om det er smertefullt lidd ( Otto Ten i 1914) eller tvert imot antatt stolt ( William Orpen i 1917, Rex Whistler i 1940 ...).

Andre bemerkelsesverdige verk:

Forkledning og dramatisering

Forkledning

Andre bemerkelsesverdige verk:

Dramatisering

Andre bemerkelsesverdige verk:

Fantasier

Andre bemerkelsesverdige verk:

Kunstneren i studioet sitt

Andre bemerkelsesverdige verk:

Kunstneren i naturen

Fram til impresjonistene , på slutten av XIX -  tallet (når vi beveger oss utenfor og vil male "på bakken" ), er verk på verkstedet. Men i løpet av de tre århundrene som foregår, hender det at kunstnere bruker et kunstverk for å gi "naturlighet" til sine portretter og selvportretter: å ha et landskapslandskap i bakgrunnen.

Disse iscenesettelsene er desto mer konstruert ettersom kunstnerne velger en resolutt "realistisk" estetikk. Denne situasjonen fortsatte til Meg selv, landskapsportrett av Douanier Rousseau , i 1890.
Omvendt, da Camille Pissarro , en spesialist i landskapsmaleri, på slutten av sitt liv i 1903 laget sitt selvportrett i sitt parisiske hjem, vinduet i bakgrunnen avslører en urbane setting: Haussmann-bygningene.

Andre bemerkelsesverdige verk:

Fragmenter

Andre bemerkelsesverdige verk:

  • Henry Moore , The Artist's Hands (tegning), ca 1974, The Henry Moore Foundation
Uttak

Selvportrettet er vanligvis knyttet til en virksomhet med selvreklame. Det er imidlertid situasjoner gjennom kunsthistorien der kunstnere - av forskjellige grunner - ikke ønsker å fremheve sin person, tvert imot. De vises da i form av en liten figur, i midten eller på baksiden av et rom ( Rembrandt , 1627); Rosa , c. 1835), av en uklar og upresis form ( Boccioni , 1910), av en karakter sett bakfra ( Longhi , ca. 1745), av en silhuett i kinesisk skygge ( Spilliaert , 1907) eller - fra det tjuende århundre - av en representasjon radikalt avviker fra kodene for realistisk figurasjon ( Gris , 1912; Seiwert , 1928). Fra 1969 gikk tyskeren Georg Baselitz til og med så langt at han ordnet karakterene sine opp ned .

Det mest kjente eksemplet er et maleri som vi absolutt ikke er sikre på om det er et selvportrett, kunstneren spesifiserer ikke noe sted: The Art of Painting av Vermeer , ca. 1666.

Andre bemerkelsesverdige verk:

Sletting

Omar Calabrese mener at "samtidskunst som stiller spørsmål ved verdien av figurasjon og likhet, den er ikke lenger bekymret i det hele tatt av spørsmålet om selvportrettet (...): vi har gradvis kommet til dets negasjon  " . I følge ham kan imidlertid noen nyere verk tolkes som ekvivalenter av selvportrettet. Den semiotician deretter avanserer ideen om at årsakene til denne radikale reversering må søkes i de aller opprinnelse realist figurasjon, den XV th  århundre, og dens utvikling i løpet av de neste århundrene.

Da han i 1434, i portrettet av Arnolfini-ektefellene , lot Van Eyck sin lille figur vises på speilet festet bak i rommet, vitnet han om sin tilstedeværelse med en viss ydmykhet. Ved å bruke mestring i oljemaleri dominerte flamningene senere all europeisk kunst i detaljhåndteringen. Men prosessen som var et tegn på skjønn hos Van Eyck, må nå tolkes som et tegn på forfengelighet . Da Pieter Claesz , nøyaktig to århundrer senere, i 1634, manifesterte sin tilstedeværelse i en metallisk sfære blant andre gjenstander, også malt i trompe l'oeil , var det i hovedsak med målet å demonstrere hans tekniske mestring. Så mye at når forfengelighet som sjanger generaliserer, er det tillatt å se virtuelle selvportretter. Da Anne Vallayer-Coster malte maleriet kunstens attributter i 1769, satte hun inn bysten til en kvinne der filosofen Christophe Genin senere så "et tilslørt selvportrett".

I mellomtiden, i begynnelsen av XVI th  århundre Roma, Michelangelo var dekket med bilder taket og veggene i Det sixtinske kapell . Og i motsetning til de italienske freskomalerne fra forrige århundre, satte han ikke inn ansiktsegenskapene i form av en cameo, men som et kryptoportrett. Ved å bruke anamorfoseprosessen , og ifølge hva hans egne skrifter indikerer, selvportrett han i forkledning av apostelen Bartholomew , hvis legende rapporterer at han ble fløyet levende. Hvis kunstneren fortsetter på denne måten, er det bare en biografisk tilnærming som lar oss forstå årsaken. I Letters spesifiserer han at den forfølgende karakteren han ga trekkene til forfatteren Pierre L'Aretin fordi sistnevnte etter å ha tillatt seg å kritisere arbeidet sitt sterkt, hadde han følt seg "flayed alive" .

Fra slutten av XVIII th  århundre, da formere salonger og åpne de første museene, create kunstnere mer avhengig av deres eneste autentisitet, men også deres omdømme eller ønske om anerkjennelse fra av en offentlig stadig bredere . Det hender da at de siterer seg i visse verk ved å referere til tidligere verk. Da Edouard Manet i 1868 malte portrettet av sin forfattervenn Émile Zola , satte han inn, vist på en vegg, en svart-hvitt reproduksjon av et av hans mest berømte malerier, Olympia , som han hadde utstilt. Fem år tidligere kl. den Salon , og som deretter forårsaket en rungende skandale. På denne måten lager han et “implisitt selvportrett” .

Selvportrettet er ikke lenger definert av likheten med kunstneren eller til og med hans fysiske tilstedeværelse, men av tolkningen av hans motivasjon fra tilskueren, i henhold til hva denne vet om livet hans.

Tar eksempel på Van Gogh Room i Arles , som det finnes tre versjoner, understreker Calabrese det faktum at med fremveksten av moderne kunst " betrakteren gjør bildet ". I det minste den informerte, kultiverte betrakteren, som vet i dette tilfellet at Van Gogh har produsert et stort antall selvportretter på fire år, og at når han representerer sitt tomme rom, kan han selv (tilskuer) tolke maleriet som et selv -portrett som standard. Calabrese assimilerer deretter prosessen til en språklig figur: idiolekten .

Han understreker også at et stort antall kunstnere gir rett til "selvportrett" -verk som ikke betegner noen likhet med ansiktene, og ikke engang den minste henvisning til det virkelige målet, for å foreslå tilstedeværelsen til tilskuerne uten å måtte avsløre det til dem. ("re-present") eksplisitt: Kasimir Malevich , Man Ray , Joan Miro ... så, senere, Roy Lichtenstein eller Daniel Spoerri .

Andre eksempler på verk som er en del av denne slettingsprosessen:

Portrettmaleren

Som alle andre emner innen billedkunst, kan en kunstner realisere sitt selvportrett ved hjelp av forskjellige medier og støtter, velge forskjellige formater og bruke forskjellige prosesser (innramming, komposisjon, synsvinkel ...). Valget av disse forskjellige komponentene gjør det mulig å oppdage hans intensjoner, men også å avsløre betydninger som han ikke nødvendigvis hadde tenkt på under utformingen og produksjonen av verket.

Tegning (blyant og kull), gravering og spesielt maling (gouache, tempera, akryl og olje) er mediet som ofte brukes. Skulptur (stein, marmor, tre, metall eller syntetiske materialer) er mye sjeldnere. Fra XIX th  århundre, ble fotografering et nytt medium, men på grunn av sin mer umiddelbar, direkte , er hun vanligvis plassert som en egen sjanger, mot tekniske tvinge kunstnere til en viss askese.

Rammen

Innrammingen indikerer stedet motivet tar mellom bildets fire kanter og følgelig måten han betrakter seg selv når han jobber og hvordan han vil at betrakteren skal vurdere ham: å sette seg mer eller mindre i verdi eller på tvert imot forblir mer eller mindre diskret.

Når det gjelder portrett og selvportrett, defineres innrammingen av andelen som ansiktet (vesentlig del av kroppen) okkuperer i bildets felt. En maler kan derfor bestemme seg for å representere seg selv som en helhet, men fremstå som en enkel detalj i maleriet eller tvert imot for å vise ansiktet eller en del av ansiktet i veldig nærbilde. Mellom disse to ytterpunktene er det en hel rekke innramming .

Andre bemerkelsesverdige verk:

Synsvinkel

I de fleste tilfeller representerer kunstnerne seg selv slik at tilskueren oppfatter dem som om de var ved siden av dem (fra siden). Men det hender at de viser seg fra en lav vinkel (når speilet de observerer seg i er plassert på bakken) eller tvert imot - sjeldnere - i fugleperspektiv .

Andre bemerkelsesverdige verk:

Formatet

Andre bemerkelsesverdige verk (store formater):

  • Chuck Close , stort selvportrett , 1967-1968. Akrylmaleri på lerret, 2,73 × 2,12  m  ; Walker Art Center, Minneapolis (USA)
  • Jenny Saville , Marquée , 1992, 2,13 × 1,83  m , privat samling
  • Arnaud Grappin, Giant selvportrett , 1,30 × 0,98  m
  • Stipan Tadić, stort selvportrett , 2014-2018, 2 × 1,50  m
Belysning

Andre bemerkelsesverdige verk:

Avgrunnen

Siden avhandlingen om maleri av Alberti er det vanlig å betrakte maleri som en metafor for et vindu på verden, i det minste å initiere refleksjoner om bildets status og forholdet mellom det virkelige og dets fremstillinger. Kunstnere liker da ikke bare å lage sine selvportretter, men å representere dem i malerier (eller fresker) av større størrelser, prinsippet om russedukker . De driver denne prosessen på forskjellige måter.

Fra cameo til frittstående portrett

I begynnelsen av det XVI th  århundre, Italia, praktisering av selvportrett cameo har ikke helt forsvunnet, og at autonome selvportrett har egentlig ikke dukket opp.

To malere Pinturicchio og Pérugino oppretter deretter en mellomkategori: innsetting av et autonomt portrett, representert i trompe l'oeil, inkludert ramme, og satt inn i umiddelbar periferi av store veggfresker som de er forfattere av og som følgelig har - som cameos - verdt signaturer.

I 1500 malte Pinturicchio en serie med fresker i Baglioni-kapellet i Collegiata Santa Maria Maggiore, i Spello , Umbria. På venstre vegg er en kunngjøring . I rett vinkel er en trompe-l'oeil , maleren selvportrett over en cartellino med tekst en signatur fullført med dekorative elementer som utgjør en forfengelighet .

Bilde i bilde

Andre bemerkelsesverdige verk:

Det virkelige, refleksjonen og bildet

Andre bemerkelsesverdige verk:

Speilet avslørt

Speilet er referanseinstrumentet par excellence når det gjelder selvportrett. Fra et praktisk synspunkt utgjør det for kunstneren en permanent kilde til spørsmål. På den ene siden returnerer det faktisk et omvendt virkelighetsbilde, som utgjør et problem med lateralisering (kunstneren blir således ledet til for eksempel å representere sin venstre hånd på høyre side av maleriet); derimot er de første speilene som er tilgjengelige, konvekse, det vil si at bildet de returnerer er forvrengt (anamorfoseprinsipp).
Svarene gitt av kunstneren varierer mellom to poler: enten for å se bort fra disse dataene, eller for å avsløre dem for betrakteren ved å representere selve speilet, eller til og med - i ekstreme tilfeller - ved å representere seg selv, og også speilet vi er bruk og malingen pågår. I denne forbindelse utgjør maleriet av Johannes Gumpp , malt i 1646, et dokument av pedagogisk betydning: For tilskueren av sin tid indikerer Gumpp hvordan man lager et selvportrett, vel vitende om at å representere seg bakfra nødvendigvis er en abstraksjon; betrakteren i dag sier Gumpp at det er hans tid, det XVII -  tallet, disse spørsmålene er faktisk blitt gjort oppmerksomme.

Konveks speil
Kunstnerens avstand fra speilet er avgjørende: hvis han er langt fra det, vil selvportrettet hans bli redusert til indikasjon på en liten silhuett tapt midt i et maleri, som vi for eksempel ser gjennom årene. i de flamske maleriene Van Eyck og Campin; hvis den bringes nærmere den, som det er tilfellet med selvportrettet til den unge parmesanen, er resultatet et nærbilde, og forvrengingen av rommet vises enda mer i periferien av bildet. Parmesanbrettet er sirkulært og har en diameter på 24  cm ... sannsynligvis størrelsen på speilet som brukes: bruk av skala 1 slik at det reduserer vanskeligheten.
Når bruken av speil spres, vil noen kunstnere fortsette å bruke konvekse speil, og deres verk kommer deretter inn i registeret over kuriositeter (se Cabinet of curiosities ), mens kunstnerens motivasjon blir redusert for å bevise sitt virtuositetsnivå overfor betrakteren.

Andre bemerkelsesverdige verk:

  • Vincent van der Vinne , forfengelighet , XVII -  tallet, privat samling
  • Roberto Fernandez Valbuena, laboratorium , 1910 (blant annet verk med samme tema)
  • George Lambert , The Convex Mirror , 1916
  • Mark Gertler, stilleben med selvportrett , 1918, Leeds (G.-B.), kunstgalleri
  • Roberto Montenegro , serie med konvekse speil, 1926, 1942, 1953, 1959, 1961, 1965
  • MC Escher , hånd som holder en sfærisk speil , 1935, Ottawa, National Gallery of Canada
  • Harold Gresley , The Convex Mirror , 1945, Derby (G.-B.), Museum and Art Gallery
  • Will Wilson, Selvportrett i en skrå speil , 2004
  • Amnon David Ar, Selvportrett i en konveks speil , 2008

Flat speil

Andre bemerkelsesverdige verk:

Sitatet

Andre bemerkelsesverdige verk:

Den estetiske koden

Demokratiseringen av bruken av fotografering, på slutten av XIX E  århundre, forårsaket fødselen til avantgardene  : etter impresjonisme , fauvisme , kubisme og ekspresjonisme (i begynnelsen av XX E  århundre) setter spørsmålstegn ved overlegenheten til det realistiske figurasjon, dømt da for mimetisk og utilstrekkelig uttrykksfull for indre.

Andre bemerkelsesverdige verk:

Kronologisk tilnærming

Selvportrettet som sjanger dukket opp på slutten av XIV -  tallet, og det er en spesifikk vestlig kunst. Årsaken til dette er at det dominerende verdensbildet i denne regionen på jorden endrer seg på dette tidspunktet. For å forstå årsaken er det et kort tilbakeblikk nødvendig.

I IV th  århundre, under keiser Konstantin , den kristendommen ble en statsreligion og dens hovedkvarter i Roma . I hele ti århundre satte denne religionen sitt preg på hele Vest-Europa. Og da folket for det meste var analfabeter, brukte kirkens dignitarer bildene til å spre det bibelske budskapet  : freskomaleriene og glassmaleriene var ikke designet for å dekorere kirker og katedraler, men for å fungere som læremidler: de er bokstavelig talt dokumenter , i betydningen av det latinske ordet doceo , å undervise .

På slutten av middelalderen sluttet kirken gradvis å utøve ledelse i formidlingen av tanker. På den ene siden har tidsmakt fått overtaket, på den annen side, gitt en sterk demografisk vekst, har handelen utviklet seg betraktelig, og de som har viet seg til det har ikke bare blitt rikere, men de brukte mye av sin rikdom til økonomisk støtte både kirken og prinsene. Konsentrert i byer, endte handelsmenn og bankfolk med å være en ekstremt innflytelsesrik sosial klasse , borgerskapet . Selve Kirken er åpen for den materielle verden, i det XIII th  århundre, under ledelse av ulike personligheter som Frans av Assisi og Thomas Aquinas og idéhistorie har tatt en ny start med utseendet på de første intellektuelle , for eksempel Dante Alighieri , i stand til å utvikle fortellinger mer eller mindre uavhengig av religiøse hensyn. Denne enorme mutasjonen blir ofte referert til som humanisme .

For å handle, refererte ikke borgerskapet til hensyn til en teologisk orden, men demonstrerte pragmatisme og realisme . Dermed håndverkere som realiserte bildene på vegne av kirken har etter hvert skapt en type uttrykk: realisme: den XIV th  århundre, ble en ny billedspråk født, i stor grad under impuls av Florentin Giotto , basert på prinsippet om etterligning av det virkelige verden og de teoretiske virkemidlene som skal implementeres for å gjøre rede for dens tredimensjonalitet på et støtteplan, per definisjon todimensjonalt: en oppmerksom observasjon av lyset på volumene og en eller annen (empirisk) følelse av perspektiv.

Frem til slutten av XIX E  århundre og utviklingen av fotografering, vil denne realismen utgjøre en nesten uovertruffen standard, og "stilene" endres til slutt bare overfladisk. Og den fortellende kunsten, inntil da, av utelukkende religiøs inspirasjon (fremstilling av bibelske scener) vil ta mer og mer sekulære aksenter og bli "historiemaleri", mens nye sjangere vil dukke opp: landskap, natur, døde og fremfor alt, i utgangspunktet. , portrettet. Selvportrettet vises på slutten av XIV -  tallet, da portrettet vil være høyt nok i den sosiale stigen til å tørre å forestille seg.

Den første Renaissance (ende XIV th  århundre - ende XV th  århundre)

De fleste historikere er enige om at den selvportrettet som sjanger laget sitt utbrudd i skulptur av andre halvdel av XIV th  århundre: "Det er generelt akseptert, for eksempel at hette tallet plassert til ekstreme -rett av bas- lettelse av jomfruens begravelse på tabernaklet til Orsanmichele i Firenze, rundt 1359, er et selvportrett av Andrea di Cione Arcangelo, kjent som Orcagna . "

Prosessen består i å sette inn bildet av ansiktet hans blant andre, i verk som forteller episoder fra Bibelen.

På 1370-tallet plasserte den schwabiske billedhuggeren og arkitekten Peter Parler sin egen byste i triforiet i Praha-katedralen, blant de tjuefire byster av velgjører som var knyttet til byggingen av bygningen.

Tidlig på 1500 -  tallet , både i Italia og Flandern, glir malerne ansiktene sine i verk som setter dem i nærvær av en eller flere tegn, men blir ikke fullstendig bevist av seg selv.

Italia

En av de første kunstnerne som tok scenen i et av verkene hans, er Benozzo Gozzoli , som rykker frem blant publikum, iført en hette som navnet hans er påskrevet, i freskoen til Tilbedelsen av Magiene ( Kapellet i Magiene , 1459, i Firenze ).

Prosessen gjentas da ofte. Slik representerer Piero della Francesca seg selv som en sovende soldat i sin oppstandelse (ca. 1463-1465, Sansepolcro ) og Sandro Botticelli vender stolt til tilskueren i en annen tilbedelse av magiene i 1475.

Fra Filippo Lippi dukker opp i fresco-scenen av scener fra Jomfruens liv (Katedralen i Spoleto , mellom 1467 og 1469), samt sønnen Filippino Lippi i La Dispute avec Simon, magikeren i Brancacci-kapellet i Santa Maria del Carmine (1471-1472), i fullføringen som han deltar i.

På samme måte inkluderte Domenico Ghirlandaio ansiktet hans blant andre i sin tilbedelse av magiene på slutten av 1880-tallet.

Flandern

The Man in the Red Turban av Jan Van Eyck , visstnok "det første selvportrettet i historien"

Den andre renessansen (sent XV -  tallet - XVI -  tallet)

Albrecht Dürer og Tyskland

På slutten av XV th  århundre, den tyske Albrecht Dürer erects selvportrett til hva slags fullverdig status. Han er virkelig den første kunstneren som er kjent for å ha malt flere, som har datert og signert dem. Ved å gjøre dette vedtar han en innramming som vil bli en standard: byste representasjonen.

Han tok form i en alder av tretten i 1484, og i løpet av det neste tiåret, i 1493, 1498 og 1500, produserte han tre store selvportretter. Den siste (utstilt på Alte Pinakotek i München ) er bemerkelsesverdig fordi maleren viser seg ansikt til ansikt, og ikke lenger tre fjerdedeler, en prosess som få andre kunstnere har ty til. Hver gang skriver Dürer inn monogrammet på en nøye håndskrevet måte.

På begynnelsen av det påfølgende århundre, i nøyaktig 1503, ble han den første kunstneren som skildret seg naken. Og senere, i 1522 og 1523, fem år før han døde, påtok han seg en ny dristighet, uten å nøle med å vise seg gjennom Kristi karakter.

I 1517 startet en politisk-religiøs begivenhet i Tyskland som betydelig modifiserte sosiale relasjoner og spesielt oppfatningen av enkeltpersoner alene: den protestantiske reformasjonen . Radikalt forskjellig fra pavedømmet og fra et stort antall ritualer (hellige og jomfruer) og ved å dra nytte av fremveksten av trykk, oversatte Martin Luther Bibelen til tysk og utviklet en teologi som hadde som mål å skrive den personen direkte forbindelse med det guddommelige og gir ham følgelig en autonomi og et hidtil uset ansvar. Portrettet og selvportrettets kunst vil bli påvirket: under innflytelse fra den flamske skolen og i kjølvannet av Dürer uttrykker kunstnerne ansiktenes trekk på en mye mer realistisk måte enn tidligere.

Italia og Caravaggio

Caravaggio

Caravaggio etterlater ingen selvportretter strengt tatt (bustrepresentasjon), men et stort antall kunsthistorikere mener at han tar seg selv som modell i flere av maleriene hans og formulerer forskjellige hypoteser.

Dermed blir han assimilert til den unge syke Bacchus , i 1593, i begynnelsen av karrieren, så vel som sannsynligvis i gruppen musikere (i bakgrunnen). Så dukker han opp i andre arbeider, og spiller rollen som tilskuer som i martyrdommen til Matteus (ca. 1599-1600) eller til og med Kristi arrestasjon , i 1602.

Innsettingen av Caravaggios ansikt i maleriene hans tar en dramatisk vending fra 1606, etter at kunstneren var skyldig i et drap. Han ser ut til å ha gitt sine trekk til hodet til giganten Goliat , svingt som et trofé av David i et maleri som senere ble produsert, og dermed dramatisk identifiserte han seg med den voldelige karakteren som er beskrevet i Bibelen.

Flandern og Nederland

Tid akademier (slutten XVI th  århundre - tidlig XVIII th  århundre)

I den grad malere er høflet av fyrster og konger, forakter de ikke å representere seg selv. Dermed blir selvportrettet en vanlig praksis. På grunn av deres lydighet mot den tidsmessige makten revolusjonerer imidlertid ikke flertallet av sjangeren, og låser den tvert imot i en avtalt, stereotyp modell, en kopi av det seremonielle portrettet av de samme prinsene og kongene.

Svært sjeldent er endelig kunstnerne som skiller seg ut fra normen. Rembrandt , i Nederland, blir enstemmig anerkjent som den første av dem.

Akademisme

Et akademi er en institusjon av privat eller offentlig (nasjonal) opprinnelse som har som kall å gi utdanning. De første kunstakademiene dukket opp i Italia i løpet av andre halvdel av XVI -  tallet etter modell av tegnehøgskolen , grunnlagt i Firenze i 1563 av Cosimo de Medici under initiativ fra Vasari . I tråd med den middelalderske tradisjonen med selskaper, har akademiene som mål å tekniskisere den billedlige handlingen, som blir en "spesialitet" som gjør det mulig å "skape en sensasjon".

Denne bevegelsen nådde Frankrike i 1648, under regjering av Ludvig XIV , som bare var 10 år gammel på det tidspunktet: under en veldig regulert kontroll og ledet av Charles Le Brun , spilte Royal Academy of painting and sculpture en viktig rolle. kampanje, kunstnere blir tvunget til å oppfylle kravene. Ikke bare i Frankrike, men i resten av Europa, adopterte “ hoffmalerne ” mer eller mindre de samme estetiske kodene og lærte dem deretter til påfølgende generasjoner.

På grunn av sin offisielle status, de formere selvportretter samtidig, ikke tillater noen reell forskjell i stil til tidlig XVIII th  århundre, Louis XIV døde i 1715 i Frankrike markerer slutten på denne kalt Stor-tallet . Slik betegner vi denne standarden som akademisme .

Barokklassisismedebatten

Overfor den tilsynelatende ensartetheten i stilen som preget perioden, forsøkte historikere og kunstkritikere å identifisere typer eller trender . Det var på denne måten sveitseren Heinrich Wölfflin i 1915 utviklet en teori som i sin tid fungerte som referanse for flere generasjoner historikere: "den barokk-klassiske opposisjonen" i hans Fundamental Principles of Art History . Hvis barokken ifølge ham er preget av ønsket om å uttrykke en viss subjektivitet gjennom et åpent og antatt kroppsspråk, er klassisisme (som dukket opp senere) preget av en bekymring for objektivitet og ønsket om å organisere bordet etter rasjonelle komposisjonsregler . Den første ville være mer "billedlig" når den andre derimot ville være mer styrt av tegning.

Kunstnerne som ofte blir sitert som hovedrepresentanter for disse to strømningene, er nederlenderen Pierre Paul Rubens, deretter italienske Luca Giordano for barokken og franske Nicolas Poussin og Philippe de Champaigne for klassismen. Imidlertid fremstår skillet mellom "barokk-klassisisme" med mindre åpenbarhet i deres selvportretter enn i de andre respektive verkene, spesielt maleriene i stort format.

Rembrandt

Den mest fremragende av selvportretterne er utvilsomt Rembrandt , som viet nesten hundre verker, graveringer eller lerreter til bildet av seg selv . Selvportrettet dukker opp med ham som en form for privat dagbok, og er grunnlaget for å male det Philippe Lejeune kalte "den selvbiografiske pakten". Hans første kjente selvportrett stammer fra 1627, som en uærlig ung mann; hans siste i 1669, noen uker før han døde. Over tid ser vi ham bli gammel, og viser seg i forskjellige forkledninger, fra den sjenerte utseende mannen som maler seg mot lyset når han nettopp har fylt tjue, til den gamle mannen. Trøtt, rynket, med en spirende nese fra 1669.

  • Rembrandt kl 22
    rundt 1628
  • Rembrandt i en alder av 28
    ca 1634
  • Rembrandt kl 35
    1641
  • Rembrandt kl. 49
    rundt 1655
  • Rembrandt kl. 63
    rundt 1669
Vermeer

The Art of Painting av Vermeer (1666) er kanskje det første selvportrettet bakfra,

Velasquez

I Spania velter Velasquez alle koder med sine meninaer (1656-1657).

Det tredobbelte selvportrettet til en lite kjent maler, østerrikeren Johannes Gumpp i 1646, utgjør en øvelse i stil uten sammenligning for tiden.

Johannes Gumpp
Johannes Gumpp er ikke generelt anerkjent som en kunstner med stor berømmelse, men han er likevel forfatteren i 1646 av et maleri som utgjør en nysgjerrighet siden han er representert der samtidig ved tre anledninger:
- sett bakfra (midt), maleri;
- sett i et speil (til venstre);
- som han ser seg selv i et maleri han lager (til høyre).

Opplysningstiden ( XVIII th  century)

Akademisme (forts.) Jakten på ekthet

Fra Louis XIVs død og enda mer i løpet av andre halvdel av århundret, viste et visst antall europeiske intellektuelle deres tretthet i møte med livspraksis som ble opprettholdt av det absolutte monarkiet , som de anså for konvensjonelle og skleroserende: de streber etter frigjøring. individer, både psykologisk og sosialt og politisk (demokrati): opplysningsbevegelsen er på farta, båret av en liten del av aristokratiet og spesielt borgerskapet .

På det kunstneriske nivået manifesteres denne endringen av en kategorisk avvisning av offisiell kunst, som propagert av de kongelige akademiene, og fremveksten av et nytt byttested, salongen , helt drevet av nye verdier, i første omgang lykke og frihet . Dette er hvordan kunstnere i sine selvportretter representerer seg usminkede i stillinger som viser både en viss avslapning og stolthet over å få overtaket i samfunnet. I Frankrike er de ondsinnede smilene som vises av Quentin de La Tour spesielt representativ for denne utviklingen.

Bekreftelsen av "individet" (sent XVIII th  century / XIX th  century)

Nyklassisisme Forromantikk og romantikk Saken om Gustave Courbet Realisme og naturalisme Fotografering og dens innvirkning

Oppfinnelsen av fotografering har store konsekvenser i produksjonen av bilder. I begynnelsen tok det igjen de estetiske kodene som malerne testet i løpet av fire århundrer.

Men veldig raskt utøvde fotografering en avgjørende innflytelse på kunstnerne, startende med impresjonistene , som fornyet sin estetikk ved å forlate verkstedet for motivet , og engasjere seg i en søken etter umiddelbarhet og autentisitet som vil forme settet til det som senere vil bli kalt " moderne kunst ".

Det første moderne (slutten av XIX -  tallet)

Paul Cézanne
  • Selvportrett
    med rosa bakgrunn
    ca 1875
    privat samling
  • Selvportrett
    1879-1880
    privat samling
  • Selvportrett
    1880-1881
    Nasjonalgalleri
  • Selvportrett
    med hvit turban
    1881-1882
    Neue Pinakothek
  • Selvportrett med palett
    1890
    EG Bührle Collection
Vincent Van Gogh

Bosatt i Paris og deretter i Sør-Frankrike, representerte Vincent Van Gogh seg selv tretti-syv ganger fra 1886 til 1893.

  • 1886
  • Sommer 1887
  • Vinteren 1887-1888
  • 1889
  • 1889
Paul Gauguin
  • c. 1885
  • 1888
  • 1889
  • 1889
  • 1893

Fra "avant-gardes" til 1945

Avantgarde

Krisen med mimetisk representasjon

  • Selvportrett som soldat
    1915
  • X
    19
  • X
    1918
  • Selvportrett med katt
    1919
  • X
    1925
Realisme i sin kontinuitet
  • X
    1900
  • X
    1902
  • X
    1909
  • X
    1914
  • X
    1925